Look of the Weekend #5

FASHILOSOPHY's suggestion about style and weekender outfit!

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Look of this weekend is inspired by a young woman, strong and a bit "lolita" at the same time. Romantic pieces with very youth accessories, an outfit played by contrast and freshness.

Nowness.com and its vision of Fashion-performing. Iris Strubegger as futur-tech muse!

About fashion the technology seems to have become not only the future of communication but also the future of a message's aesthetics. As we've seen on the catwalks of past seasons, on the historic fashion magazines and on advertising campaigns, the combination of fashion-technology is becoming a real phobia, a visceral need to be where you can not (and should not) be immune if you want to ensure to the people something to think about and be involved in.

After the performances of video art by many famous designers, from Nicolas Ghesquière to Prada, passing through Gareth Pugh, McQueen and Lanvin, is now the turn of Nowness.com, a focal point of suggestions that just a few people knows, the most open-mind people.

Nowness.com has created an "exclusive fashion film", directed by Barnaby Roper, with the featuring by Irina Strubegger which sums up the need to give to the fashion an futur-tech imaginary.

Fashilosophy deems it absolutely interesting, stimulant enough, so enjoy it and have your say to us!

Director: Barnaby Roper
Model: Iris Strubegger
Featuring looks from Stella McCartney, Miu Miu, Givenchy, Céline, Proenza Schouler, Soo Ri, Iosselliani, Pamela Love, Genevieve Jones, Made Her Think, Mawi, Carolina Amato, Kristen Farrel and Fenton.

Nella moda la tecnologia sembra essere diventata non solo il futuro della comunicazione ma anche e soprattutto il futuro dell'estetica di un messaggio. Come abbiamo visto sulle passerelle delle ultime stagioni, negli storici mensili e nelle campagne pubblicitarie, il binomio moda-tecnologia sta diventando una vera fobia, un bisogno viscerale da cui non si può (e non si deve) rimanere immuni se si vuole assicurare al pubblico qualcosa su cui riflettere e di cui essere partecipi.
Dopo le performance di videoart di molti famosi designers, a partire da Nicholas Ghesquière per arrivare a Prada, passando per Gareth Pugh, McQueen e Lanvin, ora è il turno di Nowness.com, un centro nevralgico delle suggestioni che non molti conoscono. Nowness.com ha infatti creato un "exclusive fashion film", diretto da Barnaby Roper, con la partecipazione di Irin Strubegger in cui si riassume l'esigenza di dare alla moda un immaginario futur-tecnologico.

Fashilosophy lo trova assolutamente interessante, stimolante quanto basta. Enjoy it and have your say to us!

Looking beyond fashion: Alexander McQueen and Art!

One Shot #3

"I was looking at the show on the monitor, watching everyone trying not to look at themselves. It was a great thing to do in the fashion industry—turn it back on them! God, I’ve had some freaky shows.”
Alexander McQueen, after the 2001 S/S Voss show.

A glass cube explodes.
Michelle Olley is revealed, naked. Pipes from her mouth, moths all over her. A devilish mask on her face. Breathing.
This ain't just Francis Bacon or Freud. In faithfully reproducing Joel-Peter Witkin's Sanitarium (1983) Alexander McQueen drowns in his nightmares: having no shelter, feeling scared, feeling love, that's what true experience is all about. The definition of one's identity.
The apparent misogyny is nothing but a way to help a woman to face the worst: rape, loneliness, masks, suffocation, racism: "I was always trying to make them look strong and sheltered. You have to have balls to talk to a woman wearing my clothes".
The ritual takes these creatures deep into their gloomy fears: they'll rise as brand new warriors, dressed with armours.
This is what the Joan of Arc-inspired A/W 1998 show's about. A bondage-clad Joan of Arc, encircled by a ring of fire, celebrates the feminine power suffocated by institution and religion.

On the contrary, Eye (S/S 2000) shows models with no identity, lifted upon a bed of nails, floating on air. Burka and masks hide their faces, the lack of identity is a scream from the catwalk.
The 1995 Highland Rape show terrified most of the audience: models walking in ripped lace dresses, their clothes torn apart, tampons hanging from their rocks, green rotten grass under their naked feet, wounds on their skin.

Would you call this glamour? It was his fathers history represented on the scene, the 1746 Battle of Culloden. It was the massive "Rape" that England inflicted upon Scotland: the 1746 Dress Act declared absolutely illegal for Scottish people to wear Highland-Scot clothing like plaid kilts, military shoulder belts. The canceling of Scottish identity was the aim: the designer overturned all of this, setting tartan as the absolute trend of the 90's. Revenge? Maybe. Certainly self-affirmation.
We went through women oppressed, raped, burned: what about decay? Here's to you the incredible flower-studded dress presented in Sarabande, 2007. The model wears rotten flowers, falling from her dress while she walks. Things rotten, fallen, things dying. Marc Quinn's Garden (2000) in the Fondazione Prada in Milan is the perfect match to this celebration of decay: a frozen Eden, built to last, yet dead. Opposites attract.
Last but not least, fun and smiles are admitted too. Cindy Sherman, Diane Arbus, McQueen.
What we hide, he reveals: our identity is safe.

Spread the word!

"Dai monitor vedevo lo show e tutto il pubblico evitare il proprio riflesso sul cubo. E' stato bello farlo all'élite della moda, rivoltarli contro loro stessi! Ho fatto un bel po' di cose strane!"
Alexander McQueen, dopo lo show Voss, S/S 2001.

Un cubo di vetro esplode.
Nuda, vestita di falene e farfalle, Michelle Olley appare. Tubi escono dalla sua bocca. Una maschera demoniaca sul viso, respira.
Non è Francis Bacon, non è Freud. Alexander McQueen riproduce fedelmente Sanitarium (1983) di Joel-Peter Witkin, cerca conforto, paura, amore nei suoi peggiori incubi. Mette in scena sé stesso, la sua identità.
L'apparente misoginia di cui sembrano intrisi i suoi show è solo un rituale. Le creature di McQueen vengono accompagnate in una discesa agli inferi dalla quale risalgono scintillanti guerriere, indossando armature: "…ho sempre cercato di far apparire le donne forti, al sicuro. Devi essere un uomo con le palle per avvicinarti a chi indossa i miei abiti".
Ed ecco appunto Giovanna d'Arco, in Joan, A/I 1998. Una personificazione in abiti bondage dell'eroina medievale conclude la sfilata al centro di un cerchio di fuoco, esorcizzando il terrore dell'oppressione, del soffocamento dell'identità femminile e celebrandone invece il potere, quasi un nuovo femminino sacro.

Eye, P/E 2000, al contrario sospende letteralmente su un letto di chiodi modelle la cui identità viene cancellata, soffocata dalla religione o dalle istituzioni. Maschere, burka, celano donne inquietanti, perché dal volto assente.
Nel 1995 Highland Rape terrorizza la platea: abiti strappati, pizzi lacerati, collari Edward, modelle ferite camminano a piedi nudi su ciuffi d'erba svenuta. E' questo il glamour? E' la storia degli antenati del designer di origini scozzesi, della Battaglia di Culloden (1746). E' la mise en scène del Dress Act inglese che impediva alla Scozia conquistata di indossare i propri tartan tradizionali, il kilt, le cinture militari.
Di nuovo, un'identità cancellata. Ancora una volta affermata con decisione da Alexander McQueen, che impone il tartan come must assoluto degli anni '90. Vendetta? Forse. Self-affirmation di certo.
Donne maltrattate, oppresse, bruciate: e il decadimento? Ecco a voi l'incredibile abito-giardino di Sarabande, 2007: la modella è vestita di fiori che cadono dall'abito mentre avanza sulla passerella. Fiori caduti, appassiti. La perfetta controparte per Sarabande è il Garden (2000) di Marc Quinn, alla Fondazione Prada, Milano. Un Eden congelato, perfetto, rigoglioso, ma privo di linfa, morto. Dove gli estremi si uniscono.
Infine, un piccolo richiamo al divertimento, al sorriso. Cindy Sherman, Diane Arbus, Alexander McQueen.
Rivelare ciò che è nascosto: un'identità al sicuro.

Ditelo in giro!

Tommaso Pollo's "One Shot" for Fashilosophy!

Animalier and style. Tips by Alexis Becca from Big Apple's streets!

One Shot #2

The fashion stylist Contributing Market Editor of Harper's Bazaar Asia and fashion blogger Alexis Becca, Fashilosophy's contributor, this month gives to us some advice about how to play with the animalier style, drawing influences from New York streets.

Animal prints came ferociously this season! From luxe handbags to cashmere cardigans, the trend made a huge impact commercially and editorially. But with all heavy hitting trends its easy to get lost in the high speed momentum and lose sight on how to make it your own.
I went through my closet and pulled out a few of my favorite animal prints and want to share with you how to wear the trend with out the trend wearing you.

Gli stampati animalier si sono imposti ferocemente questa stagione! Dalle borse di lusso al cardigan di cashmere, il trend ha avuto un impatto enorme a livello commerciale ed editoriale. Ma con tutti i forti trends che ci colpiscono è facile perdersi nell'alta velocità del momento e perdere di vista il modo giusto su come rendere personale uno stile.
Così ho aperto il mio armadio ed ho tirato fuori alcuni dei miei stampati animalier preferiti, per condividere con voi il modo giusto di indossare un trends senza rischiare che il trends indossi te.

You can never go wrong with simple and timeless. Tweed in a classic silhouette as this is chic and subtle. The leopard print belt is only allowed to make the exclamation point, my body makes the statement.

Non si può mai sbagliare scegliendo la semplicità e lo stile senza tempo. Un tocco di classico tweed come questo tubino per una silhouette sottile ed elegante. Il cinturino leopardo è consentito solo per dare quella nota di stile, è un punto esclamativo ed il mio corpo è la sua affermazione.

Dress: Zara, Belt and Shoes: YSL.

These silk harem pants make me feel like I'm a performer! All eyes on me and its showtime! Its fun to let your inhibitions go free with colorful animal prints but the key is too keep it caged with smart blazers and accessorize to bring it together. I paired my pants with a crop fitted blazer to tighten my look, it keeps my waist slim and balances the drama below.

Questi pantaloni di seta in stile harem mi fanno sentire come se fossi un artista! Tutti gli occhi sono su di me e io misento la protagonista dello show! Il divertimento è osare, lasciare le vostre inibizioni libere usando stampati dai colori forti e gli animalier colorati, ma il segreto è tenerli in gabbia, riquilibrando tutto con un blazer elegante e i giusti accessori, per far stare tutto in equilibrio con gusto. I miei pantaloni abbinati con una giacca corta e easy fanno si che si snellisca il mio punto vita e che si bilanci il "dramma" tra il sopra e il sotto dell'outfit.


Jacket: H&M, Scarf: Sonia Rykiel, Pant: Temperley London, Shoes: Alessandro Dell'Acqua.

I purchased this electric blue Ted Lapidus vintage jacket a few years ago in Los Angeles and its been my staple "pair me" with anything bright or printed go to piece! This is what I like wearing when I party with my friends in the Lower East Side in NYC.

Ho acquistato questa giacca vintage di Ted Lapidus pochi anni fa a Los Angeles e il suo stile è grandioso con qualsiasi cosa di stampato animalier tu voglia indossarla! Questo è l'outfit giusto per un party, è quello che mi piace indossare quando ho una festa nel Lower East Side di New York.

Jacket: Ted Lapidus, Pant: Dolce & Gabbana, Shoes: Zara.

I wear black like there is a drought with the color! In fact as I am typing this I am wearing my favorite black cargo pants from French Connection. Black is classic and 10 years from now, this picture will still look very cool. The shoe is my statement. It says the trend but in a subtle understated way.

Io scelgo di indossare il nero come se ci fosse una sorta di siccità del colore! Infatti, mentre sto scrivendo sto indossando i miei pantaloni neri cargo di Franch Connection preferiti. Il nero è un classico e tra dieci anni questa immagine avrà ancora un aspetto cool ed elegante, senzatempo. La scarpa è la mia espressione, questa parla di tendenza ma in modo sottile e sobrio.

Sweater: Diane Von Furstenberg, Pant: Club Monaco, Eyewear: Emanuelle Kahn, Shoes: Dolce & Gabbana.

I love how denim and leopard goes together. It reminds me of 80's punk/pop bands. I did it here with a huge leopard cuff. When it comes to prints extend it beyond the clothes, have fun with the accessories as well.

Adoro come il denim e il leopardato stiano bene insieme. Mi ricordano il look un po' punk un po' pop delle band anni '80, e l'ho riproposto qui con degli enormi bracciali effetto leopardo, perché quando si tratta di animalier è bello divertirsi ed estendere il trend oltre i vestiti giocando con gli accessori dallo stesso stile.

Jacket: Express, Shirt: Kenneth Cole, Skirt: Zara, Shoes: Zara, Eyewear: Vintage.

I feel like woman should look desirable and sexy. This look is how I like to feel everyday. Its very simple, just a top and skirt but the cheetah print gives me the perfect injection of fierceness without having to say a word. Go girl!

Io mi sento come una donna che ama apparire desiderabile e sexy e questo look è rispecchia il modo in cui mi piace sentirmi tutti i giorni. L'immagine è molto semplice, basta un top e gonna, ma la stampa ghepardo mi dà la giusta dose di ferocia senza il bisogno di dire una parola. Go girl!

Tank: Kenneth Cole, Skirt: Dolce & Gabbana, Shoes: Christian Dior.

Vogue Suggestions october issue's editorial by Greg Lotus. Consideration about past and future!

Just today, while I was in the middle of my research about design's news from the world, I appeared under my eyes a Franca Sozzani's tweet, Editor-in-chief of italian Vogue, in which she emphasized the need of fashion look to the future more than to the past.

"I agree with the comments to my post today. In fashion, we all have to make the effort to look at the future and not at the past."

Certainly this is not a new, although thinking about it, I began to wonder: how can we take as a model the future, that we don't know and don't know what will be, when we've a lot of society's history, fashion, music and art, from which to get suggestions and materials for the next thousand years, continually re-inventing what has been? Well, I've not been able to give me an answer other than that, maybe so trivial, that's the solution of the enigma is the perfect balance of sides.

Past and future, together: we take the first one to metabolize and mix it in what little we've of the second to create the present, then that's what should interest us more.

About this thought, I find a better compromise the photographic reportage that a major of photography as Greg Lotus (often not appreciated as he should be) made to the Vogue IT's october issue supplement "Vogue Suggestions", in which a beautiful Georgina Stojiljkovic accompanied by Diego Miguel, is immortal in her too french-style nostalgic beauty, but with a great allure of modernity at the same time. Perhaps an iconographic image of a woman to the Café de Paris kidnapped and taken to an futuristic era, made up of clones and cybernian physicality.

I immediately loved this photoshooting, from choosing the subject to light, from the outfits to the shots.
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Proprio oggi, mentre ero nel mezzo della mie ricerche, mi è capitato sotto gli occhi un tweet di Franca Sozzani, Editor-in-chief di Vogue Italia, nel quale lei sottolineava il bisogno della moda di guardare al futuro più che al passato.

"I agree with the comments to my post today. In fashion, we all have to make the effort to look at the future and not at the past."

Questo certamente non è una novità, anche se riflettendoci, ho cominciato a domandarmi: come possiamo prendere a modello il futuro, che non conosciamo e non sappiamo cosa sarà, quando invece abbiamo così tanta storia della società, moda, musica ed arte, da cui poter attingere materiale per i prossimi mille anni, reinvetando continuamente ciò che è stato? Bhè non ho saputo darmi una risposta se non quella, forse anche molto banale, che la soluzione dell'enigma è nell'equilibrio tra le parti. Passato e futuro, insieme: prendiamo il primo per metabolizzarlo e miscelarlo a quel poco che abbiamo del secondo per creare il presente, che poi è ciò che più dovrebbe interessarci.
Sulla base di questa riflessione, trovo un ottimo compromesso il reportage fotografico che un grande della fotografia, Greg Lotus (spesso poco apprezzato come si dovrebbe fare) ha realizzato per l'allegato di questo mese di Vogue IT "Vogue Suggestions", in cui una splendida Georgina Stojiljkovic accompagnata da Diego Miguel, è immortalata nella sua bellezza volutamente così nostalgica, dal sapore francese dell'inizio del secolo, ma che ha in sé allo stesso tempo un allure di grande modernità. Forse un'immagine iconografica di una donna del Caffè de Paris rapita e portata in un'era futuristica, fatta di cloni e fisicità cyberniane.
Ho amato da subito questo photoshooting, dalla scelta del soggetto alle luce, dagli outfits alle inquadrature.

Look of the Weekend #4

FASHILOSOPHY's suggestion about style and weekender outfit!

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Autumn is now taking away the last days of hot sun, making us abandon those pastel colors and the lightness typical of summer.
A touch of elegant-folk for a british girl look, a girl who leaves the big city to give herself a peaceful weekend of relaxation in some beautiful countryside!
This "Look of the Weekend" is inspired by Vany and her nice style.

Little Red riding Hood. A book celebrates a myth who created the myths: MARIPOL!

For a person who loves fashion, and follows it with passion and religious dedication is extremely important to have an enviable library about it, where a slew of old and new books tell the story of our society and the route who made the aesthetics in many centuries of tradition, through icons and personalities that have marked the milestones of this development of clothing.

This month, published by Damiani Editore, is presented and sold a book to be an unmissable heirloom for all lovers of eccentricity and stylistic freedom of the '80s, made famous by great personalities who have been able to influence exponentially the customs and traditions of generations, such as Madonna, the Queen of Pop dressed by tulle, pearls, lace and crucifixes that still represents a perfect world pop culture's icon. But who is behind the idea of that rebel outfit that brought Madonna to the top, that gave rise to a way to being called "wannabes" inspired by her and did go around the world to the Steven Meisel's shoot for the Like a Virgin cover album? This tells us by "Little Red Riding Hood", with its 248 pages, 300 illustrations, historical sketches, memorabilia about style and precious collaborations brings to light one of the leading figures of the fashion scene in the early '80s to today: Maripol.
Graduated from the cole des Beaux Arts in Paris and moved to New York, immediately to get herself noticed thanks to her extraordinary creativity that was expressed through the creation of sculpture-dresses and jewelry made from industrial materials, that ensured her entry into the "artistic community" of the new NW that revolved around the Studio54 and unconventionality icons like Andy Warhol and Jean Michel Basquiat, which she was able to influence with her avant-garde vision as their protégée. All this led Maripol to the artistic direction of Fiorucci Fashion Store on 59th street and later to the brand's creative direction that in those years was the symbol of metropolitan modernity. To the Fiorucci's direction, this imaginative stylist, created a concept of style able to conform (by diversity) any person of different gender and social class, kicking off a worldwide trend that today we can still see walking the streets. This constant need to be outside the lines, made her the woman who "destroyed the fashion" or at least that was what the journalist Enzo Biagi said about th work of italian brand and indirectly to her, probably not knowing that Maripol would have made history and today we would still be here to celebrate her as an enlightened mind of the fashion system. This book, therefore, not only relates closely a piece of our history, but also her artistic life through the many collaborations in the fashion world, music and art, inseparable realities that influence and support each other, and that Maripol diligently documented with her polaroid year by year. The artistic ferment and creative humus that has been leading this woman makes able this book to tells us a free expression era through a journey of images and photographs (in which immortalized sacred icons like Cher, Grace Jones, Deborah Harry, Francesco Clemente, Kaith Haring, Elton John and many others), sketches, fragments of life, notebooks but also by series of autobiographical writing work and a conversation between the french artist and Marc Jacobs, currently creative director of Louis Vuitton.
In the fashion worls is not unusual to see the birth, declines and recycled of characters and iconography that follow each decade by decade, but in this great meltingpot are very few figures who have given so much and still feel that the contribution. Maripol is doubtless one of them, and that's why Little Red Riding Hood will not be missing in our collection.

Per una persona che ama la moda, la segue con passione e religiosa dedizione è di estrema importanza avere una biblioteca a riguardo di tutto rispetto, dove una sfilza di volumi, vecchi e nuovi, raccontano la storia della nostra società e del viaggio che ha fatto l'estetica in tanti secoli di costume, attraverso icone e personaggi che hanno segnato le tappe importanti di questa evoluzione vestimentaria.
In questo mese, edito da Damiani Editore, viene presentato e messo in vendita un libro che sarà un imperdibile cimelio della moda per tutti i cultori delle stravaganze e della libertà stilistica dei famosi anni '80, resi celebri da grandi personalità che sono state capaci di influenzare in maniera esponenziale gli usi e i costumi di intere generazioni, come Madonna, la reginetta del Pop vestita di tulle, perle, pizzi e crocifissi che ancora oggi rappresenta un ideale iconico della cultura pop mondiale.
Ma chi c'é dietro lo studio di quell'outfit ribelle e di controtendenza che portò Madonna al top, che diede vita ad una corrente di stile a lei ispirata e chiamata "wannabes" e che fece fare il giro del mondo allo scatto di Steven Meisel per la copertina dell'album Like a Virgin? Ce lo racconta "Little Red riding Hood" (cappuccetto rosso), che con le sue 248 pagine, 300 illustrazioni storiche, bozzetti, cimeli di stile e collaborazioni preziose porta alla luce uno dei personaggi di spicco della scena fashionista dei primi anni '80 a tutt'oggi: Maripol.
Diplomatasi all'Ecole des Beaux Arts di Parigi e trasferitasi a New York, Maripol si mise subito in mostra grazie alla sua straordinara creatività che si esprimeva attraverso la creazione di abiti-scultura e gioielli ricavati da materiale di scarto industriale, che le garantirono l'ingresso nella "comunità artistica" della nuova New York, quella che gravitava intorno allo Studio54 e alle icone dell'anticonformismo come Andy Warhol e Jean Michel Basquiat, che lei stessa riuscì ad influenzare con la sua visione avanguardista diventandone la protégée.
Tuttò ciò portò Maripol alla direzione artistica del Fiorucci Fashion Store sulla 59th strada e poco dopo alla direzione creativa del marchio che in quegli anni rappresentava il simbolo della modernità metropolitana. Alla direzione della Fiorucci, questa fantasiosa stylist, creò quel concetto di stile capace di uniformare, nella diversità, qualsiasi persona di sesso e classe sociale diversa, dando il via ad un trend mondiale che ancora oggi possiamo vedere camminando per le strade di qualsiasi città. Questo costante bisogno di essere fuori dagli schemi, fece di lei la donna che "distrusse la moda", o almeno questo fu quello che il giornalista Enzo Biagi disse dell'opera del brand italiano e indirettamente di lei, ignorando probabilmente che Maripol avrebbe fatto storia e che oggi saremmo stati ancora qui a celebrarla come una mente illuminata del fashion-system.
Questo libro, quindi, non solo racconta da vicino un pezzo della nostra storia, ma anche la sua vita artistica attraverso le numerose collaborazioni nel mondo della moda, della musica e dell'arte, da sempre realtà indissolubili tra loro che si influenzano e sostengono reciprocamente, e che Maripol ha documentato assiduamente con la sua polaroid anno dopo anno.
Il fermento artistico e l'humus creativo di cui è stata protagonista questa donna, da modo a questo volume di farci rivivere un periodo fertile e libero d'espressione attraverso un viaggio di immagini e fotografie (nelle quali sono immortalati icone sacre come Cher, Grace Jones, Deborah Harry, Francesco Clemente, Kaith Haring, Elton John e molte altre), di schizzi, bozzetti, ritagli di vita, quaderni di appunti ma soprattutto una serie di testi autobiografici e una conversazione fra l'artista francese e Marc Jacobs, attuale direttore creativo della maison Louis Vuitton.
Nel mondo della moda non è cosa nuova assistere a costanti nascite, declini e recicli di personaggi e iconografie che si susseguono di lustro in lustro, ma in questo grande meltingpot creativo sono davvero poche le personalità che hanno dato così tanto e di cui tutt'ora sentiamo il contributo. Maripol è senza dubbio una di queste, motivo per cui Little Red riding Hood non potrà mancare nella nostra collezione.

This article is written by Fashilosophy for Dapasserella web magazine!

Vogue Hommes Japan Digital Vol. 1, The future of magazines and editorials!

We believed that the future of publishing was to be able to read our favorite magazines through technological devices with smartphones, iPad and similar?! Well, we have to think again!

Vogue Hommes Japan, one of the most advanced magazines for Fashilosophy, was brought to its readers a very interesting version of the magazine, has temporarily abandoned the classic media-formats for devote to the forefront of digital magazines (click here to see animated pics).

Why settle to capture just a moment of a photo when I can give to the reader a digital frame of a photoshoot?! The creatores of this ingenious invention in GIF, have managed to combine the passion of technology (very imporant, especially in japanese culture) to the standard image.

Turn the page guys, and get ready for this reality!

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Credevamo che il futuro dell'editoria fosse quello di poter leggere i nostri magazines preferiti anche attraverso apparecchiature tecnologiche con smartphones, iPad e simili?! Bhé dobbiamo ricrederci!
Vogue Hommes Japan, uno dei magazini più all'avanguardi secondo Fashilosophy, ha proposto ai suoi lettori una versione assolutamente interessante della rivista, ha abbandonato momentaneamente i formati classici per dedicarsi all'avanguardia dei magazines in digitale.
Perché accontentarsi di immortalare solo un attimo della fotografia quando posso regalare al lettore un fotogramma digitale dello photoshoot?!
I creatori di questa geniale trovata in GIF, hanno saputo unire la passione delle tecnologia (estremamente imporante soprattutto nella cultura giapponese) a quella dell'immagine standard.

Voltate pagina amici, e preparatevi a questa realtà!

Photography & Animations: Pierre Debusschere
Fashion Direction: Nicola Formichetti
Interactive Director: Francisco Salvado
Digital Technician: Anthony Miller
Sound Design: Frederic Ameel at 254 Studio
Outfits/Accessories by: Dior Homme, Hirotake Sakai & Chino Omae, Erickson Beamon, Ian Miyawaki.

Interview October Issue 2010 celebrates 25th anniversary of Naomi Campbell as a Topmodel.

The October issue of Interview Magazine celebrates 25-year career of one of the most popular and discussed Topmodels of the world: Naomi Campbell, discovered by Gianni Versace who made her one of the "Big Six" and passed into history as the "Black Venus".

"A controversial life" is the title of this editorial in which she's protagonist, where the photographic-duo Mert & Marcus, play on the legal vicissitudes of Naomi. The dark scene is that of a metropoli's suburban, maybe the public wc of a run-down station, where a icy and ruthless woman is violently abusing of a young boy with ivory skin.

Stains of blood, nudity, violence sexuality, black leather, bright red glaze and stilettos...
Everything of this photoshoot reminds me cold and rarefied atmospheres of "Irréversible" masterpiece movie by Gaspar Noé with Vincent Cassel and Monica Bellucci, sublime in one of the most cruel scenes of the history of contemporary cinematography, where she's the victim of a violent rape in a station underpass.

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Il numero di ottobre di Interview Magazine celebra i 25 anni di carriera di una delle più amate e discusse Topmodels del mondo: Naomi Campbell, scoperta da Gianni Versace che fece di lei una delle "Big Six" e passata alla storia come la "Venere Nera".
"A controversial life" è il titolo dell'editoriale di cui è protagonista, nel quale il duo Mert & Marcus, giocano sulle vicissitudini legali di Naomi.
L'ambiente è quello suburbano di una metropoli, forse il bagno pubblico di una stazione periferica, dove una donna fredda e spietata maltratta violentemente un giovane ragazzo dalla carnagione eburnea.
Macchie di sangue, nudità, sessualità violenta, black leather, smalto rosso fuoco e stiletto...
Ogni cosa di questo photoshoot mi ricorda le atmosfere fredde e rarefatte di "Irréversible" film capolavoro di Gaspar Noé con Vincent Cassel e Monica Bellucci, sublime in una delle scene più crude della cinematografia contemporanea, dove lei è vittima di un violento stupro in un sottopassaggio deserto.

Photography: Mert Alas & Marcus Pigott.
Cover styling: Karl Templer
Starring: Naomi Campbell

Hercules Magazine, Issue 9's video concept!

Hercules 9, Mariano Vivanco from Luca Finotti on Vimeo.

Hercules Magazine Issue 9 - Out October 10th!

Concept & Film: Mariano Vivanco
Directed & Edited: Luca Finotti
Fashion Editor: Nicola Formichetti

Hairstyle: Peter Gray
Make Up: Maki Ryoke
Set design & Props: Christophe Stone

S.Guest: Amanda Lepore
Music: Crookers Ft. Miike Snow - Remedy

Take a look!

Tokyo Designers Week - 25th Anniversary: Love blue, Environmental Design Exhibition.

From October 29th to November 3rd 2010 at the Aoyama district (Venue Jingu Gaienmae) in Tokyo, will host the 25th edition of one of the most anticipated and admired by design system: the Tokyo Designers Week. During Japan's prestigious event, which now has an influx of attendance of 100,000 visitors, each year are presented projects and society-environment's solutions, most innovative and exciting ever proposed and designed by designers, artists, creatives and cool-hunter from around World.

The theme chosen by the organization for this latest edition is all focused on the study of bio-architecture, eco-design, home living and environment at 360 ° in its multiple meanings, environment such as attention and confrontation with reality that our surroundings, improved lifestyle and aesthetics. The event wants to decline the term "environment" in many ways starting from the home (very important in Japanese culture) to the relationship between man and nature, offering futuristic study and design futuristic of great creative interest.

The theme of this year, as the designer Gwenael Nicolas has revealed to us, will be "Love blue - Environmental Design Exhibition" explaining that «The intention of this shift from ‘green’ to blue is to show our determination to serve a greater environmental purpose. Green signified plants and land whereas the Blue signifies the sky and sea, which unite the land together».

The Japanese exhibition will be divided into seven sections, each with a specific category of interest: Tent (for companies and independent designers who want to show their projects and their initiatives), the Pofessional Exhibition (for presentation of projects created by designers are already established and well-selected by the Commission of the Design Association), the Container Exhibition (a section obtained in a shipping cargo and in which are created interactive installations for the stimulus of the five senses through the main elements such as light, sound, etc.), the Cube Exhibition (an exhibition space for the installation of emerging product-designers and interior-designers, which are given the opportunity to present their first work and their ideas), the Student Exhibition (dedicated to presentations of the works made by students of most important design schools in Japan and of the world) and two sections devoted to shopping and distractions, named Tent Shop and Shop Partnership Exhibition.

Along with the review on the interior/architecture design, japanese independent fashion designers organized exhibitions of their collections following the same theme of the Tokyo Designers Week and presentation of proposals for eco-sustainable and eco-supportive fashion, to demonstrate how to create fashion without ignoring the needs of our ecosystem.

Dal 29 Ottobre all'3 Novembre 2010, presso il quartiere di Aoyama (Jingu Gaienmae Venue) di Tokyo, si svolgerà la 25° edizione di uno degli eventi più attesi e ammirati del mondo del design: la Tokyo Designers Week. Durante la prestigiosa manifestazione nipponica, che oggi vanta un afflusso di presenze di circa 100.000 visitatori, ogni anno vengo presentati i progetti e le soluzioni società-ambiente più innovativi e appassionanti di sempre proposti ed ideati da designers, creativi, artisti e cool-hunter di tutto il mondo. Il tema scelto dall'organizzazione per questa ultima edizione è tutto focalizzato sullo studio della bio-architettura, dell'eco-design, dell'home living e dell'ambiente a 360° nelle sue molteplici accezioni, ambiente come attenzione e confronto della realtà che ci circonda, del lifestyle migliorato e dell'estetica. La manifestazione infatti tende a voler declinare il termine ambiente in molteplici aspetti partendo da quello domestico (estremamente importante della cultura giapponese) per arrivare al rapporto uomo-natura, proponendo studi e progettazioni avveniristici e di grande interesse creativo.
Il tema di questa edizione, come ha svelato il designer Gwenael Nicolas, sarà "Love blue - Environmental Design Exhibition" spiegandoci che «Il passaggio dal verde delle scorse edizioni al blu è per dimostrare la nostra determinazione a servire lo scopo dello sviluppo ambientale. Il verde delle piante simboleggia la terra, mentre il blu indica il cielo e il mare che si uniscono con la terra stessa».
La rassegna giapponese sarà suddivisa in sette sezioni, ognuna con una specifica fascia d'interesse: la Tent (per le aziende e i designers indipendenti che voglio mostrare i loro progetti e le loro iniziative), la Pofessional Exhibition (per la presentazione di progetti creati da designers già affermati e ben selezionati dalla Commissione della Design Association), la Containers Exhibition (una sezione ricavata in uno shipping cargo e nella quale vengono create installazioni interattive per lo stimolo dei cinque sensi attraverso gli elementi principali come la luce, il suono, etc.), la Cube Exhibition (ossia uno spazio espositivo destinato alle installazioni dei product-designers e degli interior-designers emergenti a cui viene data la possibilità di presentare i loro primi lavori e le loro idee), la Student Exhibition (dedicata alle presentazioni delle opere realizzate dagli studenti delle scuole di design più importanti del giappone e del mondo) e in fine due sezioni dedicate allo shopping e allo svago, la Tent Shop e la Shop Partnership Exhibition.

Insieme alla rassegna sull'interior/architecture design, gli stilisti indipendenti giapponesi organizzano delle esposizioni delle loro collezioni seguendo lo stesso tema della Tokyo Designers Week e presentando delle proposte di moda eco-sostenibile ed eco-solidale, per dimostrare come si possa creare moda senza ignorare le esigenze del nostro ecosistema.

Look of the Weekend #3

FASHILOSOPHY's suggestion about style and weekender outfit!

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A touch of spring in the autumn. New Romantic suggestions but slightly aggressive!
What do u think?!

Stephen Jones: The accent of Fashion. 30-year career celebrated by MoMu!

The accessories in a collection are extremely important because they represent a large percentage gain of maisons but also determine the aesthetic balance of outfits, give that little bit more (or less) that can enhance or to lighten a look. Given their importance many designers have chosen to concentrate themselves on this form of art, thus securing a role of excellence in fashion history. Since last September 8th to February 13th 2011 at MODEMUSEUM of Antwerp (the cradle of extravagance and avant-garde fashion), you can admire the masterpieces of a character that has made great the hat in the world, becoming a common element of clothing into works of art with refined and infinite taste, transforming it in that accent which gives the right sound for a dress, just as in reading a text.

Stephen Jones, one of the most beloved and talented milliners of our century, which boasts collaborations with the greatest icons of fashion and music such as Christian Dior, Vivienne Westwood, Thierry Mugler, Jean Paul Gaultier, Comme des Garçons, Marc Jacobs, Boy George, Grace Jones and Lady Gaga, is celebrated by a personal retrospective that to show a successful career began thirty years ago. 120 pieces from his personal archives and from private (the largest collection outside Great Britain) guides the viewer on a journey through the handmade craft and history not only of SJ but also of millinery, through strong relationships with the milliner and historic maisons and their collections of couture, but also through his work in film, music and photography, his early years in a New Romantics London, his unique relationship with the fashion icon Anna Piaggi, his design process and the sources of inspiration behind his experimental creations.

An unmissable event! Enjoy it!

Gli accessori, in una collezione, sono di estrema importanza perché oltre a rappresentare una grande percentuale delle vendite di una maison, determinano l'equilibrio estetico di un outfits, danno quel tocco in più (o in meno) che carica o scarica un look.
Data la loro importanza sono stati molti i creatori che hanno scelto di concentrarsi unicamente su questa forma d'arte, assicurandosi così un posto di eccellenza nella storia della moda.
Dallo scorso 8 settembre fino al 13 febbraio 2011, presso il MODEMUSEUM di Anversa (la culla della stravaganza e dell'avanguardia di moda), sarà possibile ammirare i capolavori di un personaggio che ha reso grande la modisteria nel mondo, trasformando un elemento comune del vestiario come il cappello in opere d'arte dal gusto e la ricercatezza infinita, trasformandolo in quell'accento che da il giusto suono ad un abito, proprio come avviene nella lettura di un testo.
Stephen Jones, uno dei modisti più amati e talentuosi del nostro secolo, che può vantare collaborazioni con grandissime icone della moda e della musica come Christian Dior, Vivienne Westwood, Thierry Mugler, Jean Paul Gaultier, Comme des Garçons, Marc Jacobs, Boy George, Grace Jones e Lady Gaga, viene celebrato da una retrospettiva personale che mette in mostra una carriera di successo iniziata trent'anni fa. 120 pezzi provenienti dal suo archivio personale e da privati (la collezione più grande mai esportata dalla Gran Bretagna) guidano lo spettatore in un viaggio lungo l'artigianato e la storia non solo di SJ ma anche della modisteria, attraverso le importanti collaborazioni del modista con le maisons storiche e le loro collezioni d'alta moda, ma anche attraverso il suo lavoro nel cinema, musica e fotografia, i suoi primi anni nella Londra del New Romantics, il suo rapporto unico con l'icona Anna Piaggi, il suo processo di progettazione e le fonti d'ispirazione per le sue creazioni sperimentali.
Un evento imperdibile. Enjoy it!

Pepe Jeans London now in Italy. Events and weblife celebrate new Rome flagship store!

The historic indipendent jeanswear brand Pepe Jeans London, born in 1973 in the famous and alternative Portobello Market and distributed today in eighty countries, is preparing to conquer Italy, giving us a calendar of events full of initiatives for all brand's lovers, initiatives of wide appeal that will celebrate the opening of its first flagship store in downtown of the capital. In fact Rome will host, at number 73 on Via del Corso (the lucky number of the year when the brand was created in England) the flagship store of PJL, organized in one hundred and fifty square meters that will welcome the creativity and style of its collections.

To celebrate the imminent opening and strengthen the relationship between brand and virtual reality of socialnetworks and fashion bloggers, Pepe Jeans London has devised a series of initiatives to support the traditional calendar of events, with the specific intent to involve the fashionist web community, a rapidly growing reality that may mark the success of a fashion product in short time.

In fact, thanks to a partnership with Youtube, on Room 2.0 of the site www.pepejeans.com, you can follow the daily work of restyling the store and find out what's new about a place that will soon be a must for roman shopaholics.
Between September 17th and October 10th, the streets of Rome will be animated by Brand Ambassadors for a strong engagement activities on the road, a sort of modern PR in which they distribute in the streets and coolest places of city the flyers that will give you the opportunity, through the facebook fanpage in the Scissor Sisters' section, to register and participate at instant win: win 50 VIP pass for two people in the Skybox at the Scissor Sisters concert with famous people invited by PJL. From October 15th to 31 fanspage fans can become Ambassadors simply interacting with the page and, for every fifty friends involved Pepe Jeans will give an outfit.

From November 3rd to 10th will begin the journey of the tourist-blogger PJ Long has become famous thanks to his adventures on the road from Barcelona, told through a web-diary on Facebook and Twitter. The English Tourist in Rome will use the network for advice on all the coolest place in the capital, shops, clubs, lounge bar and art and design's places, and the people who help him will receive an hat as a gift. All stops of rome tour become a true social travel guides and November 10th when JP Long will be around the capital whoever fortunate to meet him as first and tell him the password "take me to London" win a travel for two in London. At store opening party of November 10th will announced the winner among cocktails, Vip, djset, trendsetter and phocall.

Last event of Pepe Jeans will be the Scissor Sisters' show at Atlantico in November 11th which 100 winners of VIP pass may access and enjoy it with VIP.

Lo storico jeanswear-brand indipendente Pepe Jeans London, nato nel 1973 nel famoso e alternativo Portobello market e distribuito oggi in ottanta paesi, si prepara alla conquista del nostro paese, regalandoci un calendario eventi carico di iniziative per tutti gli amanti del marchio, iniziative di grande appeal che celebreranno l'apertura del primo store monomarca nel centro storico della capitale. Sarà infatti Roma che ospiterà, al numero 73 di via del Corso (lo stesso fortunato numero dell'anno in cui fu creato il brand in Inghilterra) il flagship store di PJL, organizzato su centocinquanta mq che accoglieranno la creatività e lo stile delle sue collezioni.
Per festeggiare questo imminente opening e consolidare il rapporto del brand con la realtà virtuale dei socialnetworks e dei fashion bloggers, Pepe Jeans London ha studiato una serie di iniziative a supporto del calendario eventi tradizionale, con il preciso intento di coinvolgere anche la fashion addicted web community, realtà in rapido sviluppo e che può segnare il successo di un prodotto moda in pochissimo tempo. Infatti, grazie ad una collaborazione con Youtube, nella sezione Room 2.0 del sito www.pepejeans.com, è possibile seguire giorno dopo giorno i lavori di restyling dello store e scoprire le novità di un luogo che sarà presto una tappa obbligata dello shopping romano.
Tra il 17 settembre e il 10 ottobre, le vie del centro di Roma saranno animate dai Brand Ambassadors per una forte attività di engagement on the road, una sorta di PR della modernità in cui si distribuiranno per strada, nei locali più cool della città dei flyers che daranno la possibilità, attraverso la fanpage di facebook nella sezione Scissor Sisters, di registrarsi e partecipare ad instant win: in palio 50 VIP pass per due persone nello Skybox al concerto degli Scissor Sisters insieme a personaggi famosi ospiti di PJL.
Dal 15 al 31 ottobre i fans iscritti alla fanpage potranno diventare Ambassadors semplicemente interagendo con la pagina e, per ogni cinquanta amici coinvolti, Pepe Jeans regalerà un outfit completo.
Dal 3 al 10 novembre inizierà il viaggio del turista-blogger PJ Long divenuto famoso grazie alla sua avventura on the road per Barcellona, raccontata attraverso un diaro on line su Facebook e Twitter. The English Tourist in Rome, si servirà della rete per avere consigli su tutti i luoghi più cool della capitale, dai negozi alle discoteche, passando per loungebar e locali d'arte e design, e tutti coloro che lo aiuteranno riceveranno in regalo un cappello dell'ultima collezione.
Tutte le tappe del rome tour diventeranno una vera social travel guide e il 10 novembre, quando JP Long sarà in giro per la capitale, chi avrà la fortuna di incontrarlo per primo e dirgli la frase-password "take me to London" vincerà un viaggio per due persone nella capitale inglese.
La sera del 10 novembre sarà annunciato il vincitore durante l'opening party presso lo store, tra cocktails, Vip, djset, trendsetter e phocall.
Ultima giornata dell'autunno Pepe Jeans sarà l'11 novembre con il concerto degli Scissor Sisters all'Atlantico di Roma a cui i 100 vincitori dei VIP pass potranno accedere.

Fashilosophy's favs-six from Paris Fashion Week! (PFW point of view part II)

Fashilosophy, as during the Milan and London fashionweeks, has selected the six griffes of paris catwalks that affected his personal taste with style choices and an well stuied attitude especially, essential when it comes to a fashion concept. Already from the start I had extrapolated three symbol-collections that with their extravagance and strong messages had given rise to increased not only our interest but also the international press, and now come to the last day I want to sum up with all proof in my hand.

It's inevitable to think that some historical maisons have an advantage over the other, by history and tradition, but also because collection by collection give us always something to be enthusiastic and have fun, as was also this time for the Chanel and Dior's collections.

What about these two characters who are the puppeteers of such a successful Cirque de la mode?! Karl Lagerfeld is an absolute genius of modernity and avant-garde elegance, and the woman he's proposing for the next s/s is similar to that of f/w haute couture 'cause follows a very precise guidelines, with retro-chic details (maybe reminiscent of the old Paris' elite) combined to essential and dynamic cuts, with sets of overlapping and carvings of extreme refinement...that's the result of a historical-cultural background that few maisons can boast. John Galliano, Christian Dior's creative director, is in its way a person with an imagination and an inner world so great that every collection is like a journey through the history of the world. His s/s is all based on the eternal dualism between man and woman, between male and female of psychological androgyny, because reintroduce masculine cliché of naval man repainting it on a woman with a pronounced femininity. Light flounces, small ruffles, soft and flowing fabrics, shock colors and the inevitable symbol of seduction made in '50s, the pin up red lipstick.

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The other two chosen are Givenchy by Riccardo Tisci and Gareth Pugh (the entant prodige of PVC), because although they have completely different concepts are united by a not traditional aesthetic sense and inclined to identify the woman as an essential element of design and not in this, and this is what brings them to the creation of collections that have a strong impact on people. Both have proposed a woman with a disarming rigorous form, modeled on an almost geometric silhouette and enhanced by perpendicular lines of the cut. They purified the dress by unnecessary messages and reducing it to pure design, to an paganism of image. Black, white and various nuances between these opposites are the key colors of a dynamic woman almost futuristic.

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The last but not least are Yves Saint Laurent by Stefano Pilati and Zac Posen. The first maison is now synonymous of timeless elegance with a touch of folk who can carry color as irony, and this collection repeats the cult elements of the philosophy that made famous the founder of the griffe. From smoking to the flounces of ethnic costume, high-waisted pants from the transparency of the blouse, through the exotic and erotic motifs of 30s-40s movies and YSL's universe. Zac Posen seems to know this concept, and probably he visited the exhibition dedicated to Yves Saint Laurent at Petite Palais, he remained fascinated by this because the woman who proposed for the next s/s seems to be a homage to the french couturier.

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Fashilosophy come ha fatto durante le fashionweeks di Milano e Londra, ha scelto le sei griffes delle passerelle pariginie che più hanno assecondato il suo gusto personale con scelte di stile e soprattutto con un attitude ben studiato, essenziale quando si parla di un concept moda. Già dalle prime battute avevo estrapolato tre collezioni simbolo che, per stravaganza e forti messaggi, avevano suscitato maggiorimente non solo il nostro interesse ma anche quello della stampa internazionale, ed ora, giunti all'ultima giornata voglio tirare le somme nella totalità e con tutte le prove alla mano.
E' inevitabile pensare che alcune maisons storiche abbiano un vantaggio sulle altre, per storia e tradizione, ma anche perché di collezione in collezione ci regalano sempre qualcosa con cui entusiasmarci e con cui divertirci, come è stato anche questa volta per la collezione Chanel e quella di Dior. Cosa dire di questi due personaggi che sono i burattinai di un così ben riuscito cirque de la mode?! Karl Lagerfeld è un genio assoluto della modernità e dell'eleganza avanguardista, e la donna che ci propone per la prossima s/s ricalca quella della haute couture a/i, seguendo una linea guida ben precisa, fatta di dettagli retrò-chic (forse reminescenze dell'elite della vecchia Parigi) accostati a tagli essenziali e dinamici, con giochi di sovrapposizioni ed intagli di estrema ricercatezza...quella che è frutto di un background storico-culturale che poche maisons possono vantare.
John Galliano, direttore creativo di Christian Dior, è a suo modo un personaggio con una fantasia ed un mondo interiore così fantastico che ogni collezione è come un viaggio nella storia del mondo. La sua s/s è tutta giocata sull'eterno dualismo tra uomo e donna, tra maschile e femminile dell'androginia psicologica, perché rispolvera il mascolino cliché dell'uomo di mare ridipingendolo su una donna dalla femminilità pronunciata. Leggere balze, piccole ruches, tessuti morbidi e fluttuanti, coloriture shock e l'immancabile simbolo della seduzione made in '50s, il rossetto rosso pin up.

Gli altri due scelti sono Givenchy by Riccardo Tisci e Gareth Pugh (l'entant prodige del pvc), perché sebbene abbiano concezioni e modalità completamente diverse li accomuna un senso estetico meno tradizionale e più propenso all'identificazione della donna come un elemento fondamentale del design e non nel design, ed è proprio questo che li porta alla creazione di collezioni che hanno un impatto molto forte. Entrambe hanno proposto una donna dal rigore formale disarmante, modellata su una silhouette quasi geometrica ed esaltata dalle linee perpendicolari del taglio. Hanno depurato l'abito dai messaggi superflui riducendoli a puro design, ad un paganesimo dell'immagine. Nero, bianco e le diverse nuances che oscillano tra questi opposti sono i colori chiave di una donna dalla dinamicità quasi futurista.

Gli ultimi due, ma non meno importanti, sono Yves Saint Laurent by Stefano Pilati e Zac Posen. La prima maison è oramai sinonimo di eleganza raffinata e senza tempo ma con un tocco folk che sa portare colore come sinonimo di ironia, e questa collezione ripropone gli elementi cult della filosofia che ha reso celebre nel tempo il fondatore della maison. Dallo smoking alle balze del costume etnico, dal pantalone a vita alta alle trasparenze delle blouse, attraverso i motivi erotici ed esotici del cinema anni '30-'40 e dell'universo YSL.
Zac Posen sembra aver guardato molto questo concept, e probabilmente ha visitato la mostra dedicata ad Yves Saint Laurent al Petite Palais, rimanendone incantato perché la donna che ha proposto per la prossima s/s è un omaggio al creativo francese.